Vuelve a Roma bajo la protección económica de la Diputación y mantiene contacto con los artistas españoles. En 1866 conoce al marchante Adolfo Goupil, éste le adquiere varios cuadros y pasa a formar parte de esta importante casa de arte de París. Fortuny comienza a ser conocido en Roma y valorado en Barcelona como uno de os mejores artistas de aquél entonces. En 1867 contrae matrimonio con Cecilia  Madrazo, hija del famoso pintor Federico Madrazo. La boda se llevó a cabo en Madrid, en la iglesia de San Sebastián. Las sucesivas visitas al templo para los preparativos y burocracia de la ceremonia, le inspiraron para, después, llevar a cabo el cuadro que, a pesar de no ser de grandes dimensiones (93,5×60 cm.) es una de sus obras maestras y  por la que el artista es más conocido,  La vicaría (Museo Nacional de Arte de Barcelona).

En su viaje de novios visitó Granada y nuevamente quedo entusiasmado de las reminiscencias árabes, de tal forma que se instalaron por un tiempo en la bella ciudad  del Darro. Marcha de nuevo con su mujer a Roma donde abre taller. Allí recibe visitas de otros importantes artistas y coleccionistas de arte que adquieren sus trabajos de óleo y acuarelas, aumentando progresivamente su fortuna. Igualmente, con sus posibilidades económicas, adquiere y colecciona valiosos objetos de arte.

En el 68 es visitado por el marchante Goupil, éste le propones adquirir toda su obra en exclusividad y montarle un magnífico estudio en la capital francesa. Al año siguiente Fortuny se traslada a París y termina el famoso cuadro La vicaría, adquirido por Goupil y vendido a una coleccionista por 70.000 francos, exorbitante cantidad para aquella época y por su formato, relativamente pequeño. Pero sobre todo porque esto supuso, la fama definitiva del artista. Una exposición posterior en la galería Goupil le consagró como uno de los pintores más valorados y disputados por los coleccionistas.

Como consecuencia de la guerra franco-prusiana, Fortuny se traslada con su familia a Granada. Dos acontecimientos se llevaron a cabo en su vida, el nacimiento de Mariano, su segundo hijo, y el comienzo de la transformación del estilo que tanta fama y dinero le habían dado pero del que, a un tiempo, se sentía prisionero. Trabajó incansablemente y fue abandonando la pintura preciosista que lo había encumbrado para trabajar en otras experiencias.

En 1872 realiza su último traslado Roma; pero en  la Ciudad Eterna no es feliz; atado al marchante Goupil, le irrita el tener que cumplir los compromisos adquiridos. Alterna éstos con una pintura más personal pero su estado de salud es deficiente. En noviembre, aquejado de dolencias gástricas y  malaria, muere el pintor a la edad de 36 años.

Fue enterrado en el cementerio romano de San Lorenzo; en el féretro se introdujo su paleta, sus pinceles y su último dibujo.

Mariano José María Bernardo Fortuny y Marsal, nació en la citada Reus en 1838. La epidemia de cólera desatada, a la sazón, en Cataluña, dejó  a Mariano huérfano de madre a los once años. Su padre hubo de cerrar el pequeño taller de carpintería y emigrar a Barcelona. Se hizo cargo del niño el abuelo, éste se ganaba  la vida con un teatro de títeres recorriendo los pueblos de la zona. Pronto descubrió las facultades del pequeño, para la pintura, y las fomentó en todo momento.  A los nueve años compaginaba su asistencia a la escuela con las clases de dibujo; después, todavía en su ciudad, tomó clases de óleo, acuarela e incluso de orfebrería.

Permaneció en Barcelona seis años, durante los cuales fue aprendiz en un taller de escultura y se matriculó en la Escuela de Bellas Artes de la Lonja, en la que sus profesores ya le auguraban un futuro glorioso en la pintura. Dirigido por las estrictas pautas académicas, Fortuny realiza obras de temática mitológica, religiosa e histórica. Los cinco años de academia le convirtieron en un artista excelente, dominando con maestría el dibujo, color, luz, composición y todo lo relativo al oficio. Sus recursos económicos los conseguía  realizando litografías, estampas religiosas, dibujos e incluso ilustró una novela de Alejandro Dumas y el Quijote. En 1857 gana el concurso de la Academia de Bellas Artes de la Diputación de Barcelona cuyo premio le permitía ocupar una plaza de pintor pensionado en Roma, con 8.000 reales anuales durante dos años. Este hecho fue determinante en su futura carrera pues le permitirá completar su formación. Pero tienen pendiente el servicio militar que le impide su marcha. Recurre a uno de sus protectores en Reus que paga la cuota de exención de dicho servicio y una vez libre, viaja a Italia.

Durante su estancia de pensionado en la Ciudad Eterna, la recorre de arriba abajo; visita palacios, museos, villas, jardines; observa, dibuja, pinta, copia y se empapa de los clásicos. Pero también se interesa por las nuevas tendencias de los pintores florentinos y napolitanos. Mantiene contacto permanente  con su querido abuelo que muere el día de San José de 1859. Periódicamente tiene que mandar trabajos a la Diputación, su mecenas. Y es la misma quien le envía a la guerra de Marruecos para pintar varios cuadros de gran tamaño que deberían ensalzar las hazañas de un batallón catalán al mando del general Prim, paisano suyo.

Durante los tres meses de estancia en Marruecos, realizó numerosísimos apuntes, bocetos y esbozos. Sólo llegaría a materializar un cuadro, inconcluso, de los encomendados, La batalla de Tetuán (Museo Nacional de Arte de Cataluña). Quedó profundamente impresionado con el descubrimiento del mundo islámico, el paisaje del norte de África y sus contrastes de luz y color, sus gentes y sus costumbres; de tal forma, que supuso un cambio en su temática y estilo.

Recientemente  un amigo me prestó el libro titulado “Las anécdotas de la política, de Keops a Clinton”. Editorial Planeta. 2004,  y cuyo autor es el ya desaparecido Luis Carandell, experimentado y notable profesional en todos los campos del periodismo; también fue cronista parlamentario en nuestra incipiente democracia, además de escritor. Lo leí de dos tirones pues es ameno y muy divertido, por lo que recomiendo su lectura. En este libro su autor recoge 498 anécdotas referidas, como indica el título, a la política, algunas ya conocidas por mí.

Y como quiera que siempre hay que andar buscando, rebuscando, escuchando, espigando y husmeando para conseguir datos y material, entre  este medio millar de anécdotas encontré  seis  que, además de referirse a hechos y avatares políticos, tienen al arte como telón de fondo habiéndolas encontrado, por tanto, oportunas para  esta columna. Ya conocía la referida a la hermana de Napoleón pues su vida queda reflejada en el libro Paulina Bonaparte la Venus Imperial de François de la Cote. De manera que son cinco las “sustraídas”. Una vez  adaptadas  paso a ofrecerlas, en la certeza de que mi admirado Luis Carandell, allá en el Parnaso de los periodistas y escritores ilustres, me ha concedido licencia. (Esta semana dos, las cuatro restantes en la siguiente entrega).

La Venus Paulina

Paulina Bonaparte, hermana menor de Napoleón, fue una mujer muy bella, adelantada a su tiempo y libre de prejuicios. Estuvo casada en dos ocasiones y fue muy famosa por sus ajetreos amorosos pero también por su generosidad. Quedó inmortalizada en níveo mármol de Carrara por el escultor Antonio Canova. Para ello, Paulina hubo de posar, semidesnuda, durante varia sesiones. Cuando la obra estuvo acabada, provocó admiración y escándalo (actualmente se encuentra en la Galería Borghese en Roma). Una dama, con solapada intención, preguntó a Paulina si no se había sentido molesta al posar desnuda para el artista. Pero ésta, con premeditada ingenuidad, respondió: ‹‹ ¡Al contrario, querida! En el estudio del señor Canova disfruté de una temperatura muy agradable››.

Una estatua para el señor marqués

En un pueblo de la Provincia de León, regido por los seguidores del político demócrata  García Prieto, marqués de Alhucemas, surgió la idea de llevar a cabo la erección de un monumento en honor  del político. Los fondos para sufragar la escultura  provendrían de una suscripción popular. Los ediles de aquel ayuntamiento se encontraron frontalmente con la negativa de los adversarios políticos del marqués, sobre todo  los seguidores de Maura. Pero la oposición de los adeptos a Don Antonio era muy débil pues sólo  tenían un concejal en el Ayuntamiento. En la sesión  donde se discutiría definitivamente aquel  asunto, el concejal maurista solicitó intervenir para dar su opinión.  El alcalde se negó a concederle el turno de palabra pero accedió cuando el solitario edil  le hizo saber que su intención era apoyar la idea. El seguidor de Maura se levantó y con voz grave se dirigió al auditorio: ‹‹Señores, yo estoy   de acuerdo  en la realización del monumento  al marqués; tan sólo pongo una condición…››.  ‹‹ ¿Cuál?›› -preguntó impaciente el regidor.  Y el concejal, muy en su papel, dijo: ‹‹Que sea una estatua ecuestre… pero sin jinete››.

Pablo Gargallo Catalán había nacido en la localidad zaragozana de Maella en 1881. El dato biográfico referente al oficio de herrero del padre es falso por lo que, el escultor, no tuvo antecedentes artísticos ni artesanales en la familia. Su progenitor trabajaba en las faenas del campo y durante un tiempo, fue conductor de diligencias. Como ocurría a muchas familias con dificultades de todo tipo, el grupo familiar se trasladó a Barcelona, en busca de otros horizontes más propicios. Y a veces surge, sin ningún antecedente artístico, un vástago que será llamado por el arte.

Tras breve tiempo de trabajar en un taller de alfarería, su tío le consigue un puesto de aprendiz, sin sueldo, en el taller del afamado escultor Eusebio Arnau; por las noches asiste a clases de dibujo. Con apenas veinte años, frecuenta las tertulias del café Els 4 Gats y se codea con jóvenes artistas como Picasso, de su misma edad y amigo durante toda su vida. En 1902 La Lonja (Real Academia de Bellas Artes), le concede una bolsa de viaje para estudiar en París  pero el fallecimiento del padre pospone su marcha hasta el año siguiente, pues dicha bolsa se le ha prorrogado. Tras un año de estancia en la Meca del arte, regresa a Barcelona y vuelve a instalarse en su taller, ocupado en su ausencia por Picasso. Por sus trabajos, ya  conocidos y apreciados, es contratado por el arquitecto Luís Doménech para llevar a cabo esculturas de bulto y relieves en el Hospital de la Santa Cruz y San Pablo de Barcelona. En Madrid trabaja en la realización de medallas pero tiene que regresar a casa enfermo.

En 1907 restablecida su salud, vuelve a París animado por su amigo Pablo Picasso. Pero regresa a Barcelona  y realiza algunos monumentos y las decoraciones de importantes obras arquitectónicas como El Palacio de la Música. En 1911 obtiene una medalla en la Exposición Internacional de Arte, patrocinada por el Ayuntamiento de Barcelona y en 1912 una mención orifica en la Nacional de Pintura, Escultura y Arquitectura. Los encargos no le faltan pero vuelve a sentir la llamada de Paris y marcha en busca de la fama internacional. De nuevo la vida bohemia cargada de privaciones pero reconfortado por la compañía de sus amigos: Picasso, Juan Gris, Max Jacob, Manolo Hugué, Modigliani y toda una pléyade de nombres que con el tiempo destacarán en los círculos mundiales del arte. Conoce a la joven Magali, su futura esposa.

Paralelamente a sus trabajos clasicistas y aconsejado por su amigo Julio González, viene investigando las posibilidades de la chapa metálica. Libre de los posibles condicionamientos del encargo, realiza con este material trabajos con los que realmente será  reconocido.

Sierra de Gredos (Ávila), Pico Almanzor 2.593 metros. Cientos de montañeros y excursionistas se dirigen hacia la máxima altura del Sistema Central. Los más entrenados ascienden hasta su cima. Muchos quedan a sus pies, en la Laguna Grande a dos mil metros de altura, disfrutando del aire puro y rodeados de moles graníticas. A la vuelta llevan bolsas de plástico en las mochilas o en la mano, conteniendo los restos de comida o envases para depositarlos en los contenedores de la plataforma de salida. Todos cumplen la norma, el acuerdo tácito: “Llévate tus desperdicios, la naturaleza no los necesita”. Y en estos elevados, bellísimos e impresionantes parajes berroqueños, a un lado de la tortuosa senda, una pequeña roca llama la atención, ha sido ensuciada, afeada y mancillada por la firma negra y odiosa de un grafitero, aunque esta definición no describa propiamente a su autor. Hasta aquellas alturas se ha tomado la molestia de llevar su proeza, su hazaña, su acción valerosa (tradúzcase por necedad, estulticia y angostura intelectual).

En la mítica e inolvidable película “La conquista del Oeste”  (1962), Eve Prescot (la bellísima Carroll Baker), cuenta a su hermana, como su amado Linus Rawlings (James Stewart), ha grabado en un árbol el nombre de los dos, rodeados de sendos corazones, y  ha lanzado su cuchillo clavándolo en la intersección de ambos. Perdonable la acción del trampero aunque haya realizado un graffiti, porque aquellos personajes legendarios, que llevaron a cabo grandes gestas, nada tienen que ver con  “Influenza”, el grafitero holandés, experto en dañar las cortezas de los árboles con grabados, para mí, más triviales y menos románticos.

No se trata aquí de analizar  la historia del grafiti (o graffiti), ni del moderno y sus géneros o estilos, ni de los grafiteros famosos como Banksy o Muelle; doctores tiene la iglesia y la “Wiqui” información sobre el asunto. Es cierto que en algunos casos, pintores del aerosol han llegado a mostrar su obra en salas de exposiciones. La mayoría plasman en las paredes dibujos y pinturas, en muchas ocasiones  interesantes, llamativas, sugerentes y de calidad. Algunos particulares o ayuntamiento, ceden superficies o fachadas donde pueden desarrollar este tipo de arte que, como en todo, puede o no gustar al ciudadano que los contempla. Estos son los denominados grafiteros. Pero bajo la capa de lo que se dio en llamar hace años “arte callejero”, se tapan o, mejor, se esconden cientos de acercabarros (aunque no se encontrará en el diccionario, en albañilería y por extensión, persona chapucera, torpe, que carece de habilidad y conocimientos en su oficio), cuyas actividades no son arte sino vandalismo.

No hay paisaje urbano más deplorable y desolador  que el degradado con grandes letras o negros pintarrajos sin sentido, obra de estos “artistas” anónimos y esto último lo son no por exceso de modestia sino porque se esconden en la oscuridad para cometer sus gamberradas e incluso, en ocasiones, incumplen sus propias reglas y mancha con su firma el trabajo de otro colega, realizado con más acierto. Nada escapa al espray de estos depredadores del paisaje: muros, paredes, contenedores, toda clase de mobiliario urbano, pedestales de esculturas, portadas, vagones de metro, de tren, pasajes subterráneos o a nivel, puentes, casas de campo abandonadas, edificios públicos, también privados si olfatean que no hay moradores. Manchan desde parques infantiles y sus aparatos hasta las piedras respetables y seculares de un palacio o castillo. Atacan fachadas de mármol o ladrillo, ocasionando graves daños en las mismas pues, además de los gastos de restauración, ésta no se lleva a cabo con facilidad y la superficie manchad no quedará como en su estado primigenio. Ante una superficie limpia, acuden como las mariposas a la luz, como los clavos al imán, como las moscas a la miel o a otra cosa…Siempre de noche, con nocturnidad y alevosía ¿Dónde está el arte en estas acciones?

Pocos tienen oportunidad de acceder a su morada, a su estudio, a su refugio, a su retiro cenobial, rodeado de libros, de obras de arte, de belleza. Oye música, lee y dibuja; dibuja lentamente, sin prisa. Se acerca al caballete y acaricia el papel con el lápiz; toca  y retoca, con parsimonia,  como Leonardo se recreaba, en la tabla de álamo,  pintando su Gioconda. Pero cuando los dibujos salen de sus manos, son  retazos de poesía, de belleza, de vida, de naturaleza, de esperanza. Dibuja viejos y adormilados búhos, mariposas multicolores, alegres gorriones y  tristes jilgueros enjaulados. En el bosque de Joaquín ulula el viento, conversan los pájaros en las ramas de árboles susurrantes con retorcidos troncos y oquedades misteriosas en cuyo interior, seguro, habitan duendes y gnomos, un bosque encantado donde su lápiz  muestra  la secreta entrada de hierro, guardada con sellos arcanos, de los elfos.

Y como grandísimo y completo artista que es, domina todas las temáticas;  con igual maestría  plasma en el papel cálidos, exuberantes y turbadores cuerpos de ninfas, náyades y efebos que rompen la planitud  del soporte y cobran fuerza tridimensional. Para el color, trabaja el pastel; tengo el privilegio de poseer uno, mi sedante y mi relajo. Miro a la noria de cangilones de chapa oxidada, sobre uno de  ellos la urraca otea el horizonte manchego; me acerco sigilosamente, ella me mira  con su agudísimo ojo, observo las plumillas blancas del ave y les soplo esperando que se muevan…A veces temo que un día llegaré al salón y el córvido habrá emprendido el vuelo.

Sería innecesario y tedioso, por extenso, relatar el currículo de Joaquín. Pero ha participado en infinidad de certámenes  nacionales, como el “Penagos” y el Internacional de Dibujo “Fundación Ynglada Guillot”, llevado a cabo exposiciones individuales, ilustrador de libros con temas de naturaleza como “El anillo verde”, de Vázquez Figueroa y “Pájaros de cuentos”, de Cristóbal Zaragoza; trabaja con varias galerías, ha obtenido premios entre ellos dos accesits en el Certamen Nacional de Dibujo Gregorio Prieto, de Valdepeñas ( pocos saben que le requirieron para  dibujar el rostro del pintor recién fallecido). Sin embargo, con méritos más que suficientes y con sobrados merecimientos, nunca le han concedido el premio de este  certamen, estas cosas suelen suceder…

Una vez expusimos juntos, Testimonios, dimos en llamar nuestra exposición; él dibujos, yo esculturas pero con un denominador común: la naturaleza. Como muchos, convenimos en que estamos pagando un precio muy alto por el “progreso”, con una moneda, la madre tierra, que no es nuestra. Y por eso, en el catálogo de aquella exposición escribimos : Por si acaso no llueve ,// si el bosque se quedara solo;// cuando el río no hable,// quizás las estrellas se hagan invisibles,// y el fuego sea el dueño,// si el relámpago no asusta los búhos, porque están muertos.// Dejaremos plasmado lo que nuestra retina impresionó,// para aquellos que,// por culpa de los apagaestrellas, adoradores del fuego,// mercaderes de naturaleza,// no pudieron verlo.

Juan Haro Pérez nació en Cuevas de Almanzora (Almería) en 1932. Tiempos difíciles, de convulsiones sociales que desembocarían en una guerra fratricida. Con apenas dos meses, su modesta familia se traslada a Barcelona en busca de mejores perspectivas. Tras los durísimos años de la guerra y desde muy joven, Haro quiere ser artista. Superando todo tipo de dificultades se inscribe en un curso nocturno de dibujo; fuera del mismo, modela el barro por su cuenta y contacta con los artesanos de la piedra de los que aprende la técnica de la talla. Todo esto sin restar tiempo a sus estudios. Su familia se extraña de esta afición pero nunca le ponen cortapisas, aunque algo preocupados por el excesivo trabajo del joven.

Consigue ingresar en la Escuela de Bellas artes pero considera insuficientes, anticuados y bajos de nivel los programas oficiales. Acostumbrado a su hiperactividad, complementa la academia con clases de desnudo del natural que organiza Fomento de las Artes Decorativas. Dibuja incansablemente, su cuaderno de apuntes siempre va en su bolsillo, realiza cientos de bocetos, cuerpos y rostros anónimos, para él apasionantes.

Solicita ser destinado a Marruecos para cumplir el servicio militar y al regreso del mismo, en 1956, hace la maleta para viajar a Hispanoamérica. Primero Colombia, luego Venezuela donde imparte clases de Historia del Arte, realiza encargos y vende su obra. Pero debe abandonar el país por cuestiones políticas. Pasado un tiempo con la familia, siente la llamada de París, y allí se dirige. Funda y es nombrado presidente de la Asociación de Artistas Españoles en París para la ayuda mutua de estos creadores y dar a conocer su obra en el extranjero. Viaja por distintos lugares de Francia conociendo su arquitectura y monumentos. Pero el acontecimiento más importante fue conocer a su futura esposa, María, que se doctoraba en Física y Química. Tras cinco años de casados y nacido un hijo, regresan a España, instalándose en Madrid.

Haro fue un artista acreedor del apelativo “escultor”, de la voz latina sculpere: tallar la piedra, para arrancarle directamente la figura escondida. No temía a los materiales duros como el granito o basalto; si encontraba accidentalmente una piedra en el campo que pudiera ofrecerle algo, lo cogía de ella. De una piedra en la playa, arrogante y destacando de las demás, esculpe “La aristócrata”, de moño alto y expresión altiva; el  pedrusco de granito, agobiado por su propio peso lo transforma en “Cabeza de viejo púgil”; y de la piedra grande en el fondo de un barranco rodeada de piedrecillas a las que parece sojuzgar esculpe, allí mismo, “El dictador”. Maternidades desgarradas, abrazos emotivos y toda una serie de sentimientos humanos, es la escultura comprometida de Juan Haro.

Inexplicablemente, su persona y su obra permanecieron en el anonimato en los últimos años; quizás banales tendencias, acompañadas de ampulosas y vacías críticas, ocultaron la obra recia, verdadera y auténtica del escultor. Juan Haro murió en Mayo de 2009.

Podría ser esta la conversación del artista con su colaborador. De un artista, sí, pero un tanto peculiar porque  no se trata de un escultor y su ayudante sino de un pintor. Efectivamente, era el gran impresionista francés Pierre-Auguste Renoir. Muchos admiradores de sus cuadros ignoran que al pintor siempre le atrajo la escultura. Pero su excesivo trabajo fue retrasando los deseos de manipular  la arcilla húmeda y modelar figuras.

Las dos primeras, y últimas, obras realizadas “con sus propias manos” las llevó a cabo  en 1907; se trataba de dos retratos de Claude, su hijo menor. En este año Renoir había adquirido una finca en Cagnes-sur-mer, en la Costa Azul francesa, la que sería su residencia hasta su muerte. Pero la actividad pictórica no le permite llevar acabo nuevos trabajos escultóricos.

En 1913  decide, de nuevo, retomar el modelado aunque para estas fechas la enfermedad ya se ceba en el pintor… Es sabido que los ataques de reuma y artritis -que al final le postraron en una silla de ruedas-, le impedían tomar libremente los pinceles, por lo cual habían de colocárselos o atarlos a los dedos; menos aún  podía modelar la arcilla porque para este menester, los diez apéndices digitales son muy importantes.

Comentando su frustración  a su amigo y marchante, el famoso Ambroise Vollard, éste le expuso una idea que solucionaría, en parte, sus propósitos de realizar escultura. Le buscaría un colaborador que le ayudara en la consecución de sus deseos. A los pocos días se presentó en el taller del artista, de parte de Monsieur Vollard, un joven que dijo ser español y llamarse Ricard Guinó; con experiencia en el modelado pues había trabajado, durante algún tiempo, en el taller del famosísimo escultor Aristide Maillol.

Maestro y ayudante se pusieron a trabajar. El pintor realizaba los bocetos sobre el papel y el colaborador montaba los armazones, amasaba el barro, iniciaba la figura y cuando ésta se aproximaba a los volúmenes definitivos Renoir, con una caña atada a la mano, iba indicando donde quitar, donde poner y donde rectificar. Fue tal la coordinación y entendimiento entre  maestro y ayudante que el pintor comentaba: ‹‹ Parece como si tuviera una mano al final de la caña››.

Cinco años duró esta colaboración, durante los cuales realizaron dos docenas de esculturas, entre ellas un retrato de Aline, la mujer del artista, y el bellísimo desnudo “Venus victoriosa”. Pero al cabo de este lustro, el joven ayudante se quejaba de que su aportación  no era estimada ni apreciada como se merecía, por lo que dejó de colaborar con el pintor. Pasado medio siglo, en el año 1968, Ricard Guinó se querelló contra los herederos de Renoir y consiguió ser reconocido como coautor de las obras. Sin embargo obtuvo poco reconocimiento por sus propios trabajos.

Gran parte de las esculturas realizadas, junto con algunas de sus pinturas y de otros artistas, se encuentran en la citada casa, actual museo, de la Costa azul.

Cuando niño fue su maestro, de quien guardaba muy buenos recuerdos, el primero en inculcarle valores estéticos. Una vez a la semana dejaban a un lado los números y las letras y le enseñaba a dibujar. Los días sin escuela el padre, para que no perdiese el tiempo, lo enviaba al prado a cuidar el ganado. Y el niño, igualmente feliz, observaba su entorno con suma curiosidad y hacía figurillas de arcilla humedecida con el agua de las fuentes, reproduciendo toscamente los perros, los bueyes y las vacas. Esta atenta mirada a la naturaleza, animales domésticos o salvajes, fue decisiva en su obra.

Jesús Otero Oreña (1908) nació, vivió y murió en Santillana del mar, Cantabria, rodeado de piedras históricas. A los doce años deja la escuela para dedicarse a las faenas del campo. Lleva a cabo su primer trabajo en piedra; ayudado de unos clavos de una nave embarrancada  y un viejo martillo, talla una cabeza de estilo románico. Durante cinco años se dedica a  las faenas agrícolas y, sobre todo, ganaderas. Sin dejar la piedra, talla en relieve los retratos de sus hermanos, padres y abuelos. A los diecisiete años marcha a Santander para trabajar con unos canteros en la obra del Banco de Santander. Allí conoce lo que el arte  tiene de oficio, entiende mejor a la piedra, maneja la maza, punteros y cinceles; disfruta trabajando, aprendiendo y, por añadidura, le pagan. Asiste por las noches a la Escuela de Artes y Oficios.

En 1929 obtiene una beca de mil quinientas pesetas anuales de la Diputación Provincial para asistir a la Escuela de Bellas Artes de San Fernando en Madrid. Visita con frecuencia el estudio de Victorio Macho, en plena madurez, éste le recibe amablemente, mostrándole su obra y aconsejándole. Tras dos años de permanencia en Madrid, vuelve a Santillana y sigue considerándose  autodidacta porque, para él, sus verdaderos maestros fueron los tallistas románicos de la colegiata de su pueblo. Alterna las faenas del campo con las tertulias culturales y la ejecución de los encargos que va recibiendo, sobre todo, escudos nobiliarios.

En 1936 al comienzo de la guerra, el artista es nombrado delegado de Bellas Artes en Santillana, para la conservación del patrimonio artístico. Pero al cabo de un año decide tomar parte activa en la contienda, militando en el ejército republicano. Tras caer prisionero recorre varias cárceles, en condiciones durísimas, y poco falta para ser fusilado.

Duramente impresionado por la guerra, deja transcurrir varios años sin actividad escultórica. Sus amigos, entre ellos Pepe Hierro, le animan a retomar su arte, y comienza esculpir nuevamente. No le faltan encargos: Monumento al Ebro, a Juan de la Cosa, multitud de Cristos en piedra o en madera de roble y numerosos relieves con animales, personajes del campo y algunos retratos. Un Cristo tallado en madera, se encuentra en Berkely, California. En la collada de Yesba (Puerto de San Glorio) un enorme oso pétreo observa el paisaje.

Jesús Otero fue un gran  artista de la piedra. En una pequeña fragua, en su taller, aguzaba y templaba personalmente sus herramientas. Atacaba el bloque directamente;  tan sólo con unos dibujos preliminares, le arrancaba la obra escondida en su interior.

Dicen los críticos que su obra es limpia, clara y contundente. Para sus amigos y los que le conocían fue, además de artista, sencillo, serio, noble, generoso y sensible. Murió en 1994.